2025年4月13日に開幕した「EXPO 2025 大阪・関西万博」。“いのち輝く未来社会のデザイン”をテーマにかかげ、見たことのないような新しい万博を関西・大阪から発信する。

どことでもオンラインでつながることのできる現代において、あえて万国博覧会をやる必要ってあったっけ？いつの時代にも万博は国の垣根を超えた創造力とワクワクを提供してくれた。この万博が様々な人が活躍できる未来の社会づくりのきっかけにとなるように、アートやデザインの視点から見るBAM流万博の楽しみ方を探っていこう。

大阪・関西万博の顔「ミャクミャク」の誕生秘話

みなさんは「ミャクミャク」についてどれくらいご存じだろうか？特徴的な赤と青のカラーリングと、ちょっと奇妙なシルエット。開催前からじわじわと人気が出始め、万博会場で売られているミャクミャクの人形はたちまちソールドアウトになっているそう。そんなミャクミャクを作ったのが神戸市出身の絵本作家・山下浩平だ。

mountain mountain名義でグラフィックデザインを、本名の山下浩平として絵本や児童書の制作を行っており、2021年より募集されていたデザイン案の公募によって選出された。

すでに決定していたロゴマークはそのまま顔として、体は「水の都」の大阪にちなんで青に、腕からはポタポタしずくが垂れてくるようなデザイン。山下さんは1970年に開催された大阪万博の象徴でもある「太陽の塔」が大好きで、ミャクミャクを見てどことなく感じる奇抜さは岡本太郎譲りかもしれない。細胞の分裂や水の流れのように、様々な形に変化できるところは、キャラクターとしての面白さだけでなく多様性も感じさせる。

サンリオキャラをはじめとするキャラ同士のコラボレーションや二次創作などによってミャクミャクはネットミーム化しておりX(旧ツイッター)では毎日のように姿を見かける。なぜそこまでミャクミャクが人々を魅了するのだろうか。

ルーツは江戸時代？奇妙さがフックに

一度見たら忘れられない姿のミャクミャク。たくさんの目を持ちポタポタと雫が垂れる様子は一見すると妖怪のようにも見える。日本において妖怪を愛でる行為が広まったのは江戸時代からだそうだ。万物神が宿ることが前提の日本思想。神が宿るとされる「もの」を大切にする過程で妖怪というものがいつしか生まれたのだろう。しかし江戸時代中期に入ると、妖怪にまつわる伝説や信仰が“実は嘘なんじゃないか？”と信じられなくなっていった。（逆を言えばそれまでは本気で信じられていた、ということになる）当時の幕府による政策も相まって、妖怪は一気にトレンドに浮上した。子供用のおもちゃや双六などから、大人向けの絵本や浮世絵、芝居などに多く妖怪が登場していき、妖怪のキャラクター性が確立していった。

話を現代に戻そう…。ピカチュウ、マリオ、ハローキティなど世界でも有数のキャラクター大国である日本。ミャクミャクを愛でてしまう心は日本人ならではの、奇妙を受け入れてKAWAIIに転換する不思議な性質が作用しているのかもしれない。

BAM流万博の楽しみ方

独創的なパビリオンを目的に大阪・関西万博に訪れる人も多いだろう。しかし実はパブリックアートの宝庫でもある。国や地域、民族など、多様なバックグラウンドを持つ国際的なアーティストによるパブリックアートが会場の各所に展示され、世界各国の芸術作品を通して、来場者同士での対話や交流を図ることを目指している。

チェコ・プラハを拠点とするSubfossil Oak s.r.oが手がける「文明の森」は、世界でも珍しい樹齢6500年のオークの亜化石で作られた森を舞台にした古代の森のインスタレーションで、大阪・関西万博の参加国それぞれに1本ずつ捧げられている。130本以上の希少な樹木が展示され、大きな森を作るというコンセプトのこちらの作品は私たちがこれまで土地を切り拓き、あらゆる場所で叡智と文化を産みながら営みを続けてきた人間とそれを見守ってきてくれた自然との対話のようにも感じられる。パブリックアートはそのほかにも計21作品が会場内に展示され、会期中いつでも見て楽しむことができる。

ここまでは万博の華やかな側面ばかりを伝えてきた。しかし海の外を見れば連日の不安定な国際情勢がニュースを騒がせ、大阪府知事らによる市民の賛否両論を押し切り万博開催を断行したことなど、問題も山積みだ。開催前に話題になった会田誠によるミャクミャクのパロディ作品は大阪・関西万博の負の部分を思い起こさせる。大きなイベントにはそれ相応の負荷がかかる。会田誠以外にも批判的な眼差しを向け続けるアーティストたちも多く存在する。それは、アートが私たちに批評的な視野を与えてくれるからかもしれない。

私たちの未来は明るいのか、それとも…。そんな岐路に立つ我々に新たな発見を与えてくれる大阪・関西万博は、2025年10月13日までの開催だ。ぜひ体験してみてほしい。

エフィメラとは

「エフィメラ」と聞いてピンとこない人も多いかもしれない。エフィメラ/ephemeraとは、「短命な/一時的な/はかない」といった意味を持つ言葉で、美術用語に置き換えれば、保存されることを考慮されていない、即物的に生産された小さな紙媒体のことを指す。筆者がエフィメラというものに出会ったのは、「フルクサス/fluxus」という芸術運動に興味を持ったことがきっかけとなり、調べているうちにエフィメラの存在に辿り着いた。エフィメラとフルクサスの関係には後日触れることにして、エフィメラの魅力について語っていこう。

読者のみなさんも、いいデザインのチラシやDM、パンフレットを捨てずに取っておいた経験があるのではないだろうか。現在でもおびただしい数のチラシやDMが作り続けられている。しかしデジタル技術の発展とともに、紙媒体での配布がなくなり、InstagramやWebサイトといった存在に代替しつつあるのも事実だ。つまりエフィメラは減少傾向にあるといっていい。

そもそもの始まりは、今よりもずっと前。展覧会やイベントがあるとアーティストたちは招待状やDMを仲のいい友人や支援者、ギャラリーやプレスなどに向けて制作していた。その当時は広く宣伝する手立てがないため、それらがアーティストやイベントを知ってもらう唯一の手段となったため、各アーティストたちが趣向を凝らしながら制作されたものも多かった。つまりエフィメラがそのアーティストやイベントの顔になる、ということでもあった。

あのアーティストのエフィメラ

現代美術の祖とも言えるマルセル・デュシャン/Marcel Duchampもエフィメラルな作品を多く残している。

ニューヨークでのダダに関する展示を行った際の活版印刷による展覧会カタログとポスターデザインとのことだが、作品が折りたたまれていることからもわかる通り、保存状態も決していいとは言えない。しかしグラフィカルな文字の配置や、アートワークのようなデザインは今見ても参考になる。

さらにエフィメラには、時代性を色濃く映し出すという側面もある。長期的に存在することを前提に作られた美術作品や書籍とは違って、即物的・即興的に作られており、展覧会やイベントが終わったら捨てられてしまうようなものであるため、その時のアーティストたちの思想や感情が反映されやすく、短期的に制作されることが多いため、同じアーティストの作ったエフィメラ出会っても、時期によって作風が全く違うこともしばしば。そんな点もエフィメラを、これからもウォッチしていたいと思わせるうちの一つだろう。

日本のエフィメラを見つけにいこう

日本でもたくさんのエフィメラを見つけることができる。1950年代から60年代にかけ華道の流派の一つである草月流の総本山・草月ホール（現在の東京・赤坂に所在する草月ホールの前身となったアートスペース）では、三代目家元でアーティストでもあった勅使河原宏（てしがわらひろし）のもと、様々なイベントが催されていた。多彩なジャンルの表現がその枠にとらわれずに自由に集まり、創造し、発表し、批評し合える場、アーティスト同士が交流できる場を目指した草月ホールでは、アーティスト自身で自作をプロデュースするという仕組みが取られ、日本のコンテンポラリーアートの発信地になっていった。特に現代音楽の新しい発表の場となった「草月コンテンポラリー・シリーズ」では多くの素晴らしいエフィメラ作品が登場している。

アーティストの小野洋子（オノヨーコ）もこの草月ホールで作品の発表を行っていた。この発表の数年後に、かの有名なビートルズのジョンレノンと世紀の婚約を発表し、数奇な人生に飲み込まれていくことはみなさんもご存知だろう。1962年に小野の制作した音楽作品の発表会が開かれ、そのイベントに合わせて制作されたこちらのフライヤーは、広げると全長４０センチを超える不定形で、整然と並べられた文字情報の脇にはエンボス加工がされており、力の入れようが伺える。当時の小野は一柳彗やジョンケージ（「4分33秒」という音楽作品で有名なアーティスト）らとともに新しい音楽の形を模索していた。それを間接的に表現するためのエフィメラだ。

近年、エフィメラが小さな盛り上がりを見せており、エフィメラのコレクターでもある清里現代美術館のアーカイブブックが発売されたり、エフィメラ作品を収蔵していた慶應義塾大学アート・センターとJapan Cultural Research Instituteによる展覧会「エフィメラ：印刷物と表現」も2024年に開催された。

膨大な数が存在するエフィメラだが、未開拓な部分も多い。新しい作品の領域になりうるかもしれない。コンセプトアートもいいけれど、即時的でアーティストの熱のこもった作品の多いエフィメラをチェックしてみるのも悪くないかもしれない…！

アートを買うにはどうしたら良いのだろうか。アーティストの個展や百貨店のギャラリーに赴いて直接買う？あるいは度々ニュース等で話題になるオークションに参加する、というのも一つの手だろう。しかし、もっと手軽に、いろんな作品を吟味できる方法はないだろうか。そんな願いを叶えてくれる「アートフェア」でぜひアートを買ってみてほしい。

アートフェアとは

アートフェアはよくアートの見本市と言われている。たくさんのギャラリーやアーティストが一同に会し、その場で鑑賞や購入ができる仕組みとなっており、たくさんのアートを一度にみたい人や、さまざまなアーティストの作品を見比べながら購入を検討している人にとっては絶好の機会なのである。

代表的なものはアートの売買の中心地、スイス・バーゼルを拠点に開催される「アート・バーゼル」だ。アート・バーゼルは昨今のアートフェアトレンドの火付け役だ。その歴史は1970年から始まっており、現在ではマイアミビーチや香港、パリなどのエリアに拡大してアートフェアを開催している。世界各地から200軒以上のギャラリーと4000を超えるアーティストの作品が並ぶアート・バーゼルには、優良な顧客が来ることでも知られており各ギャラリーの作品にも力が入っている。アートフェアでは普段目にすることができない作品を見ることができるのも魅力の一つだろう。

日本のアートフェア

日本でもアートフェアは各地で開催されてきた歴史があるが、海外から見て日本のアートマーケットは未だに小さく、現代アートへの教養や理解度が発展途上であったために、世界の著名なギャラリーがなかなか参加してくれないなどの課題が残っていた。

しかし2023年に初開催された日本初の国際的なアートフェアと題された「Tokyo Gendai」を皮切りに日本でもアートフェアを盛り上げる動きが注目されている。

Tokyo Gendai（東京現代）とは2023年を皮切りに毎年開催されている世界水準の国際アートフェアで、2023年には3日間で20,000人を超える入場者を記録した 。世界各国から集結した現代アートギャラリーによる作品の展示と販売をしている。“国際的”というのは単に海外のギャラリーが参加しているというだけでなく、作品の質や作家の文化的アイデンティティ、ジェンダーなどの指標を鑑みて、グローバルなプレゼンテーションとなるような展示内容となっている。（逆を言えば今までの日本のアートフェアではそのあたりの平等性が担保されていなかったのも問題点だったのだろう。）

Tokyo Gendaiでは、会期中のトークセッションやイベントなど体験価値の高まるようなプログラムもたくさん用意されており、単にアートを購入するだけでなく参加者全員が楽しめるような内容となっているのも魅力だ。2025年には第3回をパシフィコ横浜で控えているので気になった方はチェックすることをおすすめする。

日本で最も歴史のあるアートフェアといえば、毎年有楽町の東京国際フォーラムで開催されている「アートフェア東京」だ。Tokyo Gendaiが現代アートに特化したアートフェアだったのに対し、アートフェア東京では古美術・工芸から、日本画・近代美術・現代アートまで、幅広い作品のアートが展示される。また2005年から開催している、日本最大級の国際的なアートフェアで会期中の来場者数は2024年開催時には5万5千人を超えた。

出展数も日本ではトップクラスの150軒超えとなっており、さまざまなアートをまんべんなく見てみたい人にはおすすめのアートフェアとなっている。

参加するギャラリーやアーティストにとって、作品が売れることは大事な要素の一つ。その点アートフェア東京は約33億円の売上を計上し、1000万円クラスの作品も多数売買された。そのため参加するアーティストたちにとってもモチベーションが高く、世に出回ることの少ない作品も展示されることも多い。

映像作品やインスタレーションといった、なかなか売買されることが少ない作品もある。そんな作品を多く取り扱っていた「EAST EAST」というアートフェアが2023年に東京・科学技術館にて開催された。

当日はライブパフォーマンスやフード・ドリンクの提供など、アートフェアという枠組みにとらわれない試みも見られ、なかなかアートフェアに馴染みのない若い世代や学生たちにも好評のアートフェアとなった。国内外の24のギャラリーが参加しており、数だけ聞くとやや小規模に感じるかもしれないが、参加しているギャラリーやアーティストはアートフェアに初参加の新しいギャラリーや、学生を含む若いアーティストたちも多く、よりフレッシュでカルチャーシーンを体現するような場となった。オフサイトプログラムとして、渋谷や新宿の街頭での映像作品展示や、クラブやライブハウスでの音楽プログラムなども行われた。次回開催は未定。

民藝とは何かをご存知だろうか。民藝と聞くとアートの文脈からはかけ離れた、お土産のようなイメージもあるが、実はさまざまな時代のアーティストやデザイナーたちを虜にしてきた。民藝という言葉を生み出した「民藝運動」とは、歴とした日本発の芸術運動なのだ。民藝運動は国内外の工芸・美術・思想の世界を中心に瞬く間に広がり、その影響は現代の作家たちにも与え続けられている。民藝の愛好家たちはみな、使っていくことで民藝の奥深さを身をもって知ってきた。そう、民藝とは最も身近な”使える”アートなのだ。

民藝の本質：職人の美、世界を魅了する日本の生活文化運動

民藝運動とは、1926年に柳宗悦・河井寛次郎・浜田庄司らによって提唱された生活文化運動のことだ。当時の工芸界の主流は装飾的な作品。柳たちは、名も無き職人の手から生み出された地域特有の生活道具を「民藝」と名付け、生活の中にこそ美しさがあると考えた。

2024年には、東京・森美術館で「シアスター・ゲイツ展：アフロ民藝」が開催されたのも記憶に新しい。世界でもっとも影響力のある100人*のアーティストにも選ばれている現代アーティスト、シアスター・ゲイツが、自らの黒人としてのアイデンティティと、日本の民藝運動における思想を融合した「アフロ民藝」が注目を集めた。
※Power 100 – ArtReview

民藝の現在：伝統と革新が交差する、新たなアートの形

さて、使ってナンボの民藝。私たちの暮らしにどう活かしていけばよいだろうか。東京・青山にあるARTS & SCIENCEはいち早く民藝の世界観をファッションに落とし込んだセレクトショップで海外からのファンも多く訪れる。

丁寧に選び取られた、食器やラグなどの日用品に加えて、古布・草木染めなどを使った洋服やバッグをスタイリッシュに提案している。

世界が注目する民藝の世界。スペインのラグジュアリーファッションブランドであるLOEWEは、クリエイティブディレクターであるジョナサン・アンダーソン氏の下で定期的にLOEWE CRAFT PRIZEというイベントを開催しており、民藝の流れを汲む日本およびアジアの工芸作家たちも多くノミネートされている。

ジョナサンはJWアンダーソンのデザイナーでもあり、近年ではユニクロとの継続的なコラボレーションを実施するなど、幅広い活動を行っている。ラグジュアリーなものから、手に取りやすいものまでをデザインしている彼の姿勢そのものが、民藝の思想に通じるところもある。

日本から世界へ：民藝がつなぐアート新たな一面

最後に日本から世界に民藝を紹介しているtatami antiqueを紹介しよう。複数人のディーラーからなるtatamiは、日本の土産物屋の大定番！・ペナントのコレクションから民家の木札、骨董品にいたるまでさまざまな民藝品を日本や海外で展示・販売している。（オンラインショップからも購入できる）

民藝は国境を越え、さまざまな人々に愛されるアートになりつつある。たとえばこけしは”KOKESHI doll”として知られている。日本各地に存在するこけしは、一つとして同じスタイルがなく、最近ではキャラクターやブランドとコラボしたコレクターズアイテムまで存在している。一つ集めると、また一つ集めたくなる。そんなマニア心をくすぐるところも民藝の大きな魅力だろう。（かく言う私も土鈴をコレクションしている。振るとカラカラ音が鳴って楽しい。笑。）

民藝にはまだ価値が与えられていないものもたくさんある。そんなものに自分だけの価値を見出すロマンに溢れていることが、民藝を愛でることの楽しさだ。

モノでいっぱいの世の中で、私たちは何を選びとるのか。民藝には消費社会への疑問に対する答えがわずかながら隠されている気がする。

「アーティスト」と聞くとどんなイメージを抱くだろうか？好きなことを仕事にしていていい、個性的、ちょっと変人かも…？作品を縦横無尽に作り続けているアーティストたちに対して、少なからず自分たちとは別の世界を生きている、と思っている人も少なくないのではないか。

誰もがアーティストになれる可能性

でも実はそれは少しだけ違っていて、アーティストの中には会社員をしながら制作を続けていたり、子育てをしながら制作をしている人も。それもそのはず。なかなかアーティストという職業に実感がわかないのも、教育環境がまだ不十分だからだ。

日本では主に技術的な指導のみが行われている。義務教育ではどうやったら本物のようにそっくりに絵を描けるか、粘土をこねることができるかを学ぶ。ピカソの本名を覚えさせ、なぜ評価されたのかという部分をなおざりにしてしまう。欧米諸国では技法的な能力よりも、コンセプトやプロセスが重視される。どうしてこう描きたいのか、どうしてこの色を使いたいのかを徹底的に考えさせる。今考えていること、気になっていることがそのまま形になるという点で、アートが生活と密接に関係している。

日本ではこうした教育環境の違いから、アートと人の距離が離れてしまうのだ。遠く離れたところにいるアーティストをわたしたちは、ただ崇めてしまう。

アートを通じた自己表現と社会との繋がり

アートとは社会の鏡だ。社会で起きたこと、すなわち身近に起こったことが制作の起点になる。昨日食べたもの、先月見た風景、大好きな人の姿。ゴッホもピカソもそんなありふれた景色を作品にした。本当は今画面の前にいるあなたもアーティストになり得るのだ。

実は医療の世界では、アートを通じて患者の精神状態を改善させる処方も広がっている。欧米の精神医療の分野ではアートセラピーとも呼ばれており、絵画や彫刻、音楽、ダンス、演劇などの芸術的な表現を通じて心の健康を促進する手法だ。

精神疾患の改善に加えて、自己成長やストレス管理、感情の表現、自己理解を促進するためにも役立つ。私達の心や体を潤すために、美味しいご飯を食べたりおしゃれをすることと同じように、アートを作ったり楽しんだりすることが必要なのだ。

アートを楽しむ方法のひとつにワークショップがある。ワークショップとは目的別のプログラムや与えられた課題を実際に体験することで学習できる自主的な教育の場のことだ。簡単なものではアートカフェや陶芸教室などもこれに該当するが、プリントスタジオの「SURUTOCO：https://www.surutoco.jam-p.com/」が定期開催しているシルクスクリーン*のワークショップではオリジナルの版を作って自分で印刷を体験することができる。Tシャツやトートバッグはもちろん、上達すれば自分だけのオリジナル作品を作ることも可能だ。
※*シルクスクリーン：メッシュ状の版にインクを通過させる孔を開けて印刷する版画技法の一種。シルクスクリーン印刷とも呼ばれ、鮮やかな発色や耐久性、均一な色面が特徴。 

どっぷりアートに使ってみたいあなたには戸田建設が主催している、学びの場「APK STUDIES」がおすすめ。2025年から始まったAPK STUDIESは約8ヶ月間にわたってアートを起点にさまざまな創造的実践に出合い、参加メンバーの関心や課題意識を深めていくプログラムだ。クリエーターやキュレーターに加えて、アートと社会の関係について理解を深め実践したいオフィスワーカーなどを対象としており、仕事の後に参加できるようなタイムスケジュールなのもありがたい。

ギャラリーオーナーやアーティスト、建築家といった様々な講師陣に支えられながら、様々なバックグラウンドを持つ生徒たちと交流を重ねて制作を進めるようだ。アートと社会をどう繋いでいくか、考えるきっかけになりそうだ。