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『目指せラーメンマスター』から繋がった初めてのコマーシャルワーク

二次創作などのイラストだけでなく、GIFやアニメーション作品も制作されています。最初からアニメーション志向だったのでしょうか。

浦浦 浦ちゃん – ずっとイラストがメインでした。ただ、美術高校時代に課題でアニメーションを作った経験があって、描き方自体は知っていたんです。それで試しに作ったのが『目指せラーメンマスター』です。Instagramに投稿したところ、それがきっかけで仕事につながりました。今はアニメーションの仕事も多いですが、基本的にはイラストレーターだと思っています。

初めて世に出したアニメーション作品がきっかけで、マクドナルドの仕事につながったと。

浦浦 浦ちゃん – 本当に運が良かったと思います。最初にメールが来た時はただひたすらに驚きました。打ち合わせを重ねるごとに本当に僕にお仕事が来たんだと気持ちの整理がついて。納品後に実際に公開されて、反響をいただきありがたい気持ちでいっぱいでした。その経験が今のお仕事にもつながっています。

制作時に強く意識していたことや、依頼にあたっての注文などはありましたか？

浦浦 浦ちゃん – その時はかなり自由にやらせて頂けたので、とにかく頑張らないとと思っていました。何が正解か分からなかったので、できる限り細部までこだわって描き切りました。

商業デビュー後、自主制作への向き合い方に変化はありましたか？

浦浦 浦ちゃん – むしろ逆で、二次創作を続けてきたからこそ、今の仕事につながったと思っています。イラストレーター志望の人の中には「二次創作を描くべきか、一次創作を描くべきか」で悩む人も多いと思いますが、僕の場合は二次創作を続けていたからこそ企業様や版元様に見つけていただけて、お仕事として公式イラストを描かせていただくことができました。なので、今後とも全力で楽しんで自主制作として二次創作をしていきたいです。

クライアントワークと自主制作の違い

コマーシャルワークと自主制作では、意識の切り替えも大きいのでしょうか。

浦浦 浦ちゃん – かなり違います。今では仕事としてお話を頂くことも増えて、ものによってはコンプライアンス面でのルールがたくさんあったりもします。例えば飲食系のお仕事であれば表現上の制約がありますし、お酒の案件ならお酒特有の注意点もあります。本当に細かなルールがたくさんあるんです。だから自主制作は自由に遊べる場所で、クライアントワークは決められた枠組みの中でどう楽しむかという違いがありますね。

その中でも譲れないこだわりは何でしょうか。

浦浦 浦ちゃん – 一番は「影」の描き方です。首の下や目元、その他の影ができる箇所にあえて影を描かないようにしています。スタイルとして「影」を描かないことで、一目見て浦浦 浦の絵だと認識してもらいやすくなる、つまり個性を出す効果もありつつ、アニメーション作業における影を描く工数を省略出来るので、僕にとっては大きなこだわりと言えるかもしれません。

アニメーション制作ではチームで作業することも多いと思いますが、その点はどう考えていますか？

浦浦 浦ちゃん – 基本的にアニメーションは背景から人物、効果を含めて1人で描いてます。過去に数回、数カットの着彩だけお手伝いしてもらったことはあるのですが、できる限り1人での制作をモットーにしています。1人で作業すると責任も成果も全部1人で抱え込めるので、その方が僕の性に合っているんです。商業アニメーションのお話をいただくこともあるんですが、アニメ業界にはアニメ業界の作法があって、僕には僕の描き方がある。そこを無理に合わせようとすると迷惑をかけてしまう気がして、基本的にはお断りしているんです。もちろん興味はあるし、やってみたいとも思うのですが…。でも今は、自分のやり方で責任を持って作れる範囲の仕事を続けたいと思っています。

自然と沸き立つ「描きたい」という欲求

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新たなオリジナル作品『やっちゃった』は、これまでのアニメーション作品と異なり、短編映画のような作品でした。どのような経緯で制作されたのでしょうか。

浦浦 浦ちゃん – 自主制作をずっと投稿できていなかったんです。ありがたいことですが、仕事ばかりで自分の絵を描けない時期が続いていて、SNSのフォロワーも少しずつ減っていました。SNSのアルゴリズムも理解していたので、「ゴールデンウィークに何か出したい」という気持ちもあって。そうした焦りと、「絵を描きたい」という欲求が重なって生まれた作品でした。

『やっちゃった』もそうでしたが、浦浦さんの作品には「見たことある気がする風景」が描かれている印象があります。イメージはどこから湧いてきますか？

浦浦 浦ちゃん – 高校時代の自分の感覚かもしれません。少し恥ずかしい話なのですが、今でも“青春”が大好きなんです。創作にはいろいろな感情の揺さぶり方があると思うんです。怖さだったり、笑いだったり、共感だったり。でも、僕自身一番心を動かされるのは、青春特有のドキドキなんです。夏のじめっとした空気だったり、日陰のコンクリートの匂いだったり、道路の落書きとか、ブルーシートの上に雨水が溜まっている様子とか。意識して見ているわけではないけど、みんな一度は見たことがあるもの。そういう細部を積み重ねることで、日常の空気感は自然と伝わると思っています。

潜在的な記憶を刺激しているような感覚ですね。

浦浦 浦ちゃん – 本当にそんな感じだと思います。「あ、これ知ってる」「見たことある」と感じてもらえたら嬉しいですね。それと、僕は割と何でもかんでも「可愛い」と思ってしまう性格でして。何かを見て「可愛いな」と思ったら、すぐスマホにメモしています。そのメモの中からアイデアを拾って作品にすることも多いです。

最近メモしたもので印象的なものはありますか？

浦浦 浦ちゃん – 小学校の前を通った時に雨が降っていたんですけど、小学生が三人、傘を持っているのに傘を差さず、全力疾走していたんです。そういう何気ない瞬間を作品にできたらいいなと思っています。

まさに浦浦 浦さんの作品に漂う空気感ですね。最後に、これからイラストやアニメーションを志す方々に何かアドバイスを頂けますか？

浦浦 浦ちゃん – 難しいですね（笑）。僕がアニメーター、イラストレーターになった時とは世の中のあり方が違うのでアドバイスにはならないかも知れませんが…。とにかく描き続けることだと思います。「継続は力なり」という言葉は僕の中で最も説得力があって最も残酷な正論だとつくづく感じているので。

• 制作が行き詰まった時はどうやって解消していますか？
  • 浦浦 浦ちゃん – その時はもう何も描かないです。友達と遊んだり、全然違うことをやります。
• 普段は1日のうちどのくらいの時間絵を描いていますか？
  • 浦浦 浦ちゃん – 日によっては朝起きてすぐ描き始めてそのまま寝てしまうこともあれば、全然描かない日もあります。今日もペンは持っているんですけど、何を描こうかなと考えながらまだ線一本も描いていないです（笑）。
• 絵を描いている時に流すBGMなど教えてください。
  • 浦浦 浦ちゃん – アニメをずっとローテーションしていて、今は『けいおん！』のフェーズに入りました。目の前にiPadを置いて、アニメをずっと流しています。
• 好きなブランドはありますか。
  • 浦浦 浦ちゃん – 最近はコムデギャルソンにハマっています。
• 絵以外の趣味はありますか？
  • 浦浦 浦ちゃん – 昼寝が好きです。
• よく観るYouTubeチャンネルはありますか？
  • 浦浦 浦ちゃん – ニュースチャンネルと、流行ってる音楽もYouTubeで聴いています。あとはkemioさん推しです。それ以外はほとんど見ていないですね。
• 影響を受けた作家さんはいますか？
  • 浦浦 浦ちゃん – みなはむさんの作品を高校生の時に見て冷や汗をかきました（笑）。自分が目指したい方向の最前線にいる方で、今でもすごく好きです。

弱冠22歳で日本マクドナルドから仕事の依頼が舞い込んだ。公式WebCMの制作依頼だ。だが、当時の浦浦 浦ちゃんはアニメーションの制作経験がたったの一度しかなかったという。繰り返すが、たったの一度だ。

『目指せラーメンマスター』と題されたわずか7秒の作品が、担当者の目に留まった。この作品はいかにして出来上がったのだろう。そしてその後、彼が歩んだ道のりは一体どんな景色なのか。今や『日本三國』のエピソードイラストや『怪獣8号 THE GAME』のプロモーションアニメーションを手掛けるまでに至った若き才能に迫る、初の単独インタビュー。

絵描き家族のもとで生まれ育って

ご家族の影響で絵を描き始めたんだとか。

浦浦 浦ちゃん – 父が車のデザイナーをしていて、家がお絵描き家族みたいな感じだったんです。画材も揃っていたし、父も美大に行っていたことがあって。姉二人も絵が上手くて、一緒になって描いていました。

当時はどんな絵を？

浦浦 浦ちゃん – ずっとドラゴンを描いていましたね。今でも「何か描いて」と言われたらドラゴンを描くようにしています。一番描き慣れているし、描いていて楽しいので。あとは、その時々で流行っていたコンテンツのキャラクターもよく描いていました。風景画もずっと好きで、今でも描いています。

「ドラゴン」はちょっと意外でした。今の作風からは少し離れていますね。

浦浦 浦ちゃん – そうかも知れません（笑）。

「絵を描くこと」を仕事として意識し始めたのはいつ頃ですか？

浦浦 浦ちゃん – 子どもの頃から「絵で生活できたらいいな」という気持ちはありました。ただ、変に現実主義なところもあって、「そんなの無理だろうな」と思っていて。本格的に意識したのは大学3回生くらいです。就職活動への不安もあって、フリーランスという選択肢を考えるようになりました。当時はInstagramもXもフォロワーが10万人を超えていて、ある人から「君ならいけるよ」と背中を押してもらえたことも大きかったと思います。

カリフォルニアで過ごした大学時代

その頃はカリフォルニアの大学に通われていた？

浦浦 浦ちゃん – そうですね。もともとアメリカへの憧れがあって。映画『ベイマックス』のヒロみたいな天才少年に憧れていましたし、ピクサー作品も大好きでした。ピクサーのスタジオって、自分のデスクを自由に飾れるんですよ。会社員に窮屈なイメージを持っていた当時の僕には、それがすごく自由でかっこよく見えて。父も「学校なんて行かなくていい。行くならアメリカだ！」みたいな人だったので。いろいろ重なって留学を決めました。ただ、英語は全然話せなかったので、向こうでは勉強漬けでしたけどね。

コロナ禍に描き続けた二次創作

現在の活動につながる転機は、やはりコロナ禍だったのでしょうか。

浦浦 浦ちゃん – そうですね。授業が全てオンラインになって、絵を描く時間が増えたんです。

二次創作で浦浦 浦ちゃんさんを知った方も多いと思います。クロスオーバー作品には多くのキャラクターが登場しますが、あの発想はどこから生まれるのでしょうか。

浦浦 浦ちゃん – 例えば大食いキャラクターを描こうと思ったら、『進撃の巨人』にもいるし、『ONE PIECE』にもいるし、『銀魂』にもいる。だったら全員集めた方が面白いんじゃないかというイメージです。最初から人数を決めているわけではなくて、「このキャラも描きたいな」と足していきます。結果的に毎回すごい人数になっていますね（笑）。

ただ並べるだけでは面白くない。二次創作でのマイルール

二次創作を描く上で大切にしていることはありますか？

浦浦 浦ちゃん – 一番は原作へのリスペクトです。そのキャラクターがしないことは絶対にさせないようにしています。例えば、承太郎ならふざけないだろうとか、デクなら相手の能力をメモするだろうとか。そのキャラクターならどう振る舞うかを考えながら描いています。あとは、見て頂いた方々に楽しんで欲しいので、出来るだけキャラの個性を拾えるよう努力しています。

作品ごとに絵柄が異なるキャラクターを同じ画面に描くのは難しそうです。

浦浦 浦ちゃん – キャラクターは原作に寄せます。ただ、僕自身は顔の描き方で個性を出すタイプではないと思っていて。例えば、多くの作家さんはそれぞれ特徴的な顔の描写表現が決まってあると思うんですが、僕はあまり決めないようにしています。だからこそ、影を落とさない塗り方だったり、色使いだったり、ブラシの使い方だけは固定化してるので、絵柄の寄せに集中して、同時に僕らしさも表現しようとは努めています。

赤みを帯びた色彩も、どこか懐かしさを連想させるようで印象的です。

浦浦 浦ちゃん – 初めは単純に自分なりの「可愛い」に突っ走って色味を決めていた感じでした。ただ、この色味を使うにつれて僕の作家性が色彩と結びついてしまい、今では僕の絵だと気づいてもらうために自分らしい色味に頑張って寄せている状況です。もはや呪いに近いですね（笑）。

細かな描き込みも魅力のひとつですが、特にこだわった小ネタはありますか？

浦浦 浦ちゃん – 『NARUTO』のファンアートは特にこだわって描きました。ファンしか気付かないようなネタを大量に仕込んでいるんです。ただ、そういう細かい部分って意外と伝わらないこともあって。『チェンソーマン』のファンアートでデンジに『コロコロコミック』を持たせたことがあったんですが、「『ジャンプ』じゃないの？」と言われたり。でも原作では本当に『コロコロコミック』を読んでいるんですよ。逆に僕が間違えることもありますし、そのやり取りも含めて面白いですね。

後編ではいよいよ、唐突に思えた日本マクドナルドからの制作依頼の背景に迫ります。商業作品と自主制作の狭間で、浦浦 浦ちゃんがどうしても譲れないものとは。そして、彼の作品の最大の魅力である、懐かしくエモーショナルな情景の秘密に迫ります。お楽しみに。

何をやってもうまくいかない、病気もした。20代の前半を辛酸を舐めて過ごしたロンザエモンは、いかにして今の活躍に至るのか。事態が好転するその前に、依然、現実はあまりに残酷だ。

再び倒れた、三十歳の冬

30歳の時にもう一度体調を崩されたそうですね。

ロンザエモン – ちょうどコロナの時期あたりに持病をもう一段階悪くしてしまって。手術もして、体重も四十九キロまで落ちて。また1年半ぐらい働けない状態になりました。もう本当に人生のどん底でしたね。

それでも絵を描き続けてこられた“支え”のようなものはありましたか？

ロンザエモン – うまく行かなくても、絵を描くこと自体がシンプルに楽しかったんです。 主観でしかないですが、絵は上達してるな、良くなってるはずだという謎の自信があって。漫画は人からの評価で確かに面白くない時があったのですが、絵だけは根拠のない自信があった。辞めそうになった時にぱっと描いたらすごくいいのが描けたなと思っちゃったり。自分の絵が悪いからやめようと思ったことは一度もなかったんです。

どん底で手にした「まあいいか」の精神

うまくいかない日々の中で、お笑いが支えのひとつだったそうですね？

ロンザエモン – そうなんです。毎年欠かさず「M-1」を観ていました。変な人生でしたけど、ずっと暗い気持ちでいても仕方ないし。これも時間が経ったら笑い話にしようと思いながらやっていたら、「まあいいか」で済ませられるメンタルになっていった。焦りがあるからしんどかったのも絶対あると思うんです。でも、それをお笑いが紛らわせてくれた。それに、お笑いって色々な見方ができると思っていて。

どういうことでしょう？

ロンザエモン – お笑いって、結構色々なエンタメに通じるんですよ。お笑いをやってる人たちって、生きてて起こる、ちょっと変な出来事とか、嫌なことを笑いに変えてしまうじゃないですか。そのものの見方って、アートと一緒な気がするんです。嫌なことも笑えるんじゃないかな、みたいな。それが自分を支えてくれてました。

奄美で最期を迎えたあの画家のように

地元・奄美大島にゆかりのある画家、田中一村の存在も大きかったと伺いました。

ロンザエモン – 田中一村って、若い時に神童と言われていたんですけど、画業の世界でなかなか成果が出せなくて。住むところを転々として、最終的に奄美大島に行き着いたんです。そこにある自然や生物に魅了されて、晩年の作品はずっと奄美の動植物ばかり描いてたんです。安い賃金で働いたお金をほぼ全て画材につぎ込んで、ほとんど作品を人に見せないまま亡くなって。近所の人が「田中さん大丈夫？」って家を開けたら、作品が山のように出てきたっていう。

転々として、評価されず、それでも描き続けた。自分と重なる部分があったんですか？

ロンザエモン – かっこいいなと思って。流石に死ぬまでには評価されたいとは思いますけど、死ぬまで描いてる人はかっこいい。やめずに続けてさえいれば、死ぬ頃には一番いい絵が描けてるんだろうなと思ったら、やめる理由が見つけられなくて。振り返ったら地元にそういう人が既にいたんだなって。世の中にはそんな人がいたんだと思ったし、田中一村のような覚悟は持っていたかったんです。

どん底を見たからこそ

結果的に漫画ではなく、イラストがSNSで大反響を呼びましたね。

ロンザエモン – それまでは、ガールズイラストを描くのが恥ずかしいとか、ユーザーに媚びすぎていないかとか、売れる為の絵はどうなんだ、みたいな余計なことをいろいろと考えていたんです。ずっと何もうまくいかない状態が続いて、精神的にも追い詰められて、最後に、そういうのが全て、どうでもよくなったんです。

余計な感情や“意味”を捨てて、売れる為にやれる事は全てやる、という方向に舵を切ったんですね。

ロンザエモン – 音楽でいうインディーズとメジャーみたいな話で、メジャーでやってない俺かっこいいじゃなくて、メジャーで戦って、ちゃんと順位付けされて自分の立ち位置を考えようと思ったんです。当時の自分の認識では、ガールズイラストでSNSをやるのが一番のメジャーシーン、売れる為の定石だと思ったので、そこでちゃんと勝負しようと。そこで攻めて、戦っていれば、いつか自分が本当に描きたいものも見てもらえるはずだと思って。

具体的にどんなことから始めたんですか？

ロンザエモン – バストアップの女の子の絵で、ユーザーと目線が合う構図を多くしようとか、サムネに強い絵にしようとか。まず認知を取れるだけ取って、あとは好きな絵を描こうという狙いがありました。ありがたいことに今は見て頂ける方も増えて、描きたいものを自由に描くことも増えてきています。

可能性のあることは、何だって

イラスト以外にも、noteやポッドキャスト、脚本など幅広く手がけていますね。

ロンザエモン – これも意図的にやっています。イラストを描くこともSNSをやることもnoteを書くことも、別々の角度から別々に効果があることで。自分の一番の武器は絵ですが、武器は多い方がいいかなと思います。

脚本を書けるのも漫画での挫折が活きているのでは？

ロンザエモン – 複数の人間がどういうセリフを言ってどういう感情になるかっていうのは漫画でずっとやっていたので。あと、お笑いが好きだから、実はコントのつもりで書いたりもしていたんです。

フリーランスとして続けていく上で、心がけていることはありますか？

ロンザエモン – やめないことだと思います。最近のお笑いの人たちも、四十になってから世に出て仕事がいっぱい来たとかってありますよね。絵描きにもそういう人は多い。自分がやってることが時代と合ってくるとか、奇跡的にトレンドと合致してくるとか、それまでの人生経験があるからできた作品が生まれる、とか。色々なパターンがあると思うんです。やめないで続けていれば、そういった何かしらのきっかけが巡ってくるんじゃないでしょうか。

新しい表現の可能性

最後に、現在実施中の特別展についてお聞かせください。ご自身のデジタル作品が、MCA（メタルキャンバスアート）として展示されました。

ロンザエモン – 本来、デジタルとアナログの境界ってあまりないと思っていて。僕としては、アナログで描ける技術を使ってデジタルの絵を描いているんです。だから、デジタルでも筆のタッチが残るような描き方を意識していて、アナログで描かれている作品と同じように、1つの作品として見ていただきたいんです。

そういった考えに至ったきっかけはありますか？

ロンザエモン – イラストレーターや漫画家って、技術がとんでもなくすごいじゃないですか。線が重なってるだけで立体に見えるとか、例えば『NARUTO』の絵だと、点が2個描かれてるだけで鼻の穴に見えるとか。でも商業的な側面が強いからか、そのすごさがアートとしてあまり評価されないことがもったいなくて。自分がやっているのも、先人たちの上手な絵を真似てこの絵ができあがっています。アナログだろうがデジタルだろうが、すごい人たちの絵の表現力がもっともっと広まっていけば嬉しいです。

その辺り、MCAに期待することはありますか？

ロンザエモン – まだまだ自分1人ではデジタルとアナログの境界線を形にするところまで出来ていなかったのですが、MCAにはまさにそれを実現できる可能性があると思います。自分が表現したかったことがこれで再現されるかもしれないと思っています。